Eles misturam, de forma única, o imaginário popular com o urbano, as questões específicas das artes visual e sonora na contemporaneidade, através da reciclagem de máquinas desprovidas de função, objetos domésticos, traquitanas, sequenciadores, programadores obsoletos, luzes e caixas de som.

A conversa para o sexto programa Arte Sonora Podcast, que estreia hoje às 11h, começou pela escolha do nome e o início das atividades como banda. Abordamos a inserção do grupo no campo da arte contemporânea, e como passaram a frequentar galerias, museus e bienais.

O encontro fala também sobre o prazer, cada vez maior, de se apresentarem juntos como banda, sobre a relação com os parceiros criando trilhas para filmes e espetáculos, e pela produção de uma discografia consistente que conta com três CDs e um vinil e um DVD. Chelpa Ferro é, certamente, um dos grupos mais inventivos de sua geração e vêm construindo uma obra original e intensa, de forma orgânica e espontânea.

Relação dos áudios apresentados:

Paraíba (1997)

Jungle Jam (2009)

Autobang (2002)

Acquafalsa (2005)

Totó Treme Terra (2006)

Acusma + Stephane San Juan (2012)

Gabinete de Chico (1992 – 1998)

A Autopsia da Cigarra Gigante (2008)

Totoro (2009)

Apresentada pela primeira vez, ano passado em Paris, Charlotte Rampling – Álbuns Secretos chega com exclusividade ao CCBB do Rio, patrocinada pela GVT. Fruto da parceria entre o FOTORIO e a MEP – Maison Européenne de la Photographie, de Paris, a exposição leva a assinatura de Jean-Luc Monterosso e organização do fotógrafo e antropólogo Milton Guran, coordenador do FOTORIO.

A exposição será dividida em duas salas do 4º andar apresentando Charlotte Rampling na frente e atrás das câmeras. Neste encontro com Charlotte Rampling, os visitantes, já na primeira sala da mostra, conhecerá ensaios, em 24 poses, assinados por alguns dos mais importantes fotógrafos do século 20, tais como: Bettina Rheims, Helmut Newton, Alice Springs, Jeanloup Sieff, Cecil Beaton, David Lynch, David Bailey, Norman Parkinson, Juergen Teller, Jacques Bosser, Peter Lindbergh e Paolo Roversi.

O conceito imagético produzido usa paleta cromática similar ao filme, com predominância de tonalidades frias, principalmente cinza e azul, e também marrom. As personagens principais desses trabalhos – as construções – são digitalmente criadas a partir de detalhes arquitetônicos fotografados nos subúrbios e periferias da cidade.

A ideia que norteia a mostra surgiu em 2008, durante andanças por Belleville e Ménilmontant, bairros localizados na região nordeste de Paris. “Meu interesse é mostrar a vida dessas pessoas e suas moradias. Essa parte da cidade é muito pobre e em cada metro quadrado é possível explorar uma rica diversidade cultural”, conta o artista. O resultado é um misto de realidade e ficção, temperado com um tanto de surrealismo.

A exposição “Flying Houses” vai até o dia 30 de junho. A Galeria LUME funciona de segunda a sexta das 10h às 20h, na Rua Joaquim Floriano 711/ 2º andar, Itaim Bibi, São Paulo.

“Rosa Oliveira faz parte de uma forte vertente artística que busca interpretar e compreender o mundo através da síntese e da clareza dos meios técnicos e intelectuais que opera. As suas constantes faixas horizontais, planos de cor, fragmentos da paisagem parecem agora buscar o diálogo com outras formas, com outras geometrias que se comunicam com elementos da realidade cotidiana sem jamais abandonar seus compromissos essenciais com a disciplina e a verdade do mundo”, explica o curador.

Carioca, com estudos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e pós-graduação em Filosofia e Arte pela PUC/RJ, Rosa Oliveira realizou individuais em espaços culturais e diversos salões em todo o Brasil. Participou de projetos que destacaram artistas na produção de arte emergente no Brasil da década de 90, entre eles o Projeto Macunaíma/ Funarte, Salão Carioca e Salão Arte Pará. Obteve inúmeras premiações. Pertence a coleções públicas e particulares: coleção João Sattamini, MAC/RJ, Centro Cultural dos Correios/RJ, Centro Cultural Cândido Mendes, Prefeitura de Santo André, Fundação Rômulo Maiorama e nas Galerias de Arte Anna Maria Niemeyer, Carminha Macedo e Paulo Fernandes, entre outras coleções.

A Galeria Maria de Lourdes Mendes de Almeida fica na Rua Joana Angélica 63, Ipanema.

A recorrência do ferro oxidado nas esculturas de Luiz Philippe é claramente ligada à memória de infância, passada em uma usina siderúrgica em Minas Gerais, em meio a minérios e sucatas. Já o uso de pigmentos ferrosos como pintura vem do intenso convívio e aprendizado com Frans Krajcberg, também dos primeiros anos, durante o período “mineiro” daquele artista. As obras do artista fazem parte do acervo do MAM-Rio, na coleção de Gilberto Chateaubriand.

Luiz Philippe nasceu em Minas Gerais em 1957. Mora e trabalha no Rio de Janeiro. Seus avós e seus pais eram colecionadores de arte antiga e moderna. Nos anos 60, seu pai, então diretor do Museu de Arte Moderna de Belo Horizonte (Museu da Pampulha), propicia os primeiros contatos com o mundo das artes. Nesse período conheceu o atelier de Guignard em Ouro Preto e conviveu intensamente com Frans Krajcberg. Graduou-se em Desenho Industrial em 1978 pela Escola Superior de Artes Plásticas da Fundação Universidade Mineira de Arte. Suas exposições individuais merecem destaque são as do MNBA, quando apresentou pela primeira vez as suas “Malas de Pedra”; e a da Casa França-Brasil. As coletivas de são destaques a do MuBE, São Paulo; Exposição “Loucos por Design” e a do MAM-RJ “Novas Aquisições 2006-2007” da Coleção Gilberto Chateaubriand, quando mostrou a sua “Cadeira de Pernas Cruzadas”.

Segundo a curadora Fernanda Pequeno, a seleção “diz respeito à observação e ao compartilhamento de um espaço comum a indivíduos com procedências e expectativas diferentes, e o transitar apresenta surpresas e percalços, provenientes do imponderável da própria caminhada”.

Com vídeo, fotografia e instalações, a coletiva constrói diversas narrativas que perpassam diferentes tempos e territórios. A cada obra, o espectador é convidado a adentrar um recorte particular de uma história em movimento. O alemão Daniel Beerstecher atravessa uma cidade levando nas costas um pássaro engaiolado até desembocar no mar. Khalil Charif apresenta em vertiginoso vai-e-vem na terra das ilusões perdidas pelo olhar. O abandono de uma pessoa ouvindo seu eco nas ruínas de uma casa é o tema do trabalho de Daniela Alves e Rafael Adorján, premiado esse ano IV Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia de Belém, no Pará.

O Ateliê Casa da Ladeira Arte Visuais fica na Ladeira do Castro, 205 – Santa Teresa. Informações pelo telefone (21) 8708-0375.

Acontece entre os dias 20 a 31 de maio na praça central do shopping Fashion Mall, o JoiArt, evento que une o universo da joalheria ao das artes plásticas. Além de oito dos mais prestigiados joalheiros do eixo Rio – São Paulo (Sara, Guerreiro, H Stern, Lisht Marinho, Jack Vartanian, Frank Jóias, Lafry e Miriam Kimelblat), a exposição recebe ainda jóias realizadas por artistas como Ernesto Neto, Beatriz Milhazes (acervo Bolsa de Arte do Rio de Janeiro) ,Sergio Camargo, Waltercio Caldas, Sacilotto (acervo Raquel Arnaud) Maria Carmem Perllingeiro, Ana Holk, Carlos Vergara e Amilcar de Castro (acervo Instituto Amilcar de Castro).

“Quis mostrar que uma jóia não é apenas uma peça fashion, decorativa, que segue as tendências do estilo da estação da moda. A jóia é arte, é um trabalho minucioso, carregado de emoção e que quase sempre parte de um sentimento do designer”, explica a curadora Anna Clara Herrmann, que é também criadora do Jóia Brasil, um dos principais eventos do setor.

Para abrigar as duas coleções, dos joalheiros e dos artistas, o projeto traz uma ambientação especial, baseada nas dimensões e tradição do famoso ovo Fabergè. No centro a “clara do ovo” e nas laterais a “gema” referência às pedras preciosas que ali estarão expostas. Um jogo de esconde e revela, faz com que o visitante seja levado a descobrir as peças e ainda conhecer os nomes mais importantes no circuito das artes através de seus portraits assinados pela fotógrafa Denise Leão.

Dez expoentes nomes das artes plásticas – em sua maioria galeristas, críticos e diretores de instituições de arte – foram convidados para serem homenageados com esses retratos. São eles: Brenda Valansi (diretora da ArtRio), os curadores Vanda Klabin, Roberto Padilla e Romaric Buel, Jones Bergamin (galerista Bolsa de Arte) e a filha Antonia Bergamin, as consultoras Jackie De Botton e Patricia Fainziliber, Evangelina Seiler (presidente da Casa França Brasil), Katia Mindlin Leite Barbosa (Sotheby’s International) e Carlos Alberto Chateubriand, presidente do MAM Rio.

No final da exposição será realizado um leilão no recém inaugurado restaurante Pobre Juan do Fashion Mall, com todas as peças criadas pelos joalheiros do shopping. Toda a renda será revertida para o Instituto Marquês de Salamanca, criado há 16 anos pelo empresário Olavo Monteiro de Carvalho para atender crianças carentes de 2 a 6 anos em seu desenvolvimento escolar (www.imds.org.br).

O coquetel de abertura do Joiart acontece na segunda-feira, 20 de maio, na praça central do shopping de 19 às 22 hs. A exposição vai até o dia 31 de maio, de 10h as 22h, com entrada franca. O leilão será realizado no dia 28 de maio, às 19h, no restaurante Pobre Juan em esquema de silent auction.

Participou, também, do coletivo La Rica, que participou da 29ª Bienal de São Paulo. Foi DJ residente nas festas Bump!, Hi-Fi e GangBang e co-idealizador do programa de radio online BumpBeat. Atualmente trabalha como designer de uma grande marca de vestuário e nos momentos de folga participa, dentre outras coisas, do projeto Nuvem, contemplado com o programa Rede Nacional Funarte Artes Visuais de 2012. Este ano, foi selecionado para participar da 10ª Bienal Brasileira de Design Gráfico desse ano, em São Paulo.

Em sua mixtape, Icaro apresenta uma seqüência diferente dos beats que costuma tocar nas festas. É uma trilha urbana, cheia de colagens, para ser ‘consumida na deriva’. Uma seleção psicodélica de sons, que vão do hip hop abstrato ao dub techno.

Tracklist:

Intro: Bendix: “The Tomorrow People” _ Raymond Scott

01 – Meteorango Kid _ Psilosamples

02 – Uprock And Invigorate (A Prefuse/Dabrye Production) _ Prefuse 73

03 – Frontier Psychiatrist _ The Avalanches

04 – Lollipopsichord _ Black Moth Super Rainbow

05 – Fright Night (Nevermore) _ Ariel Pink’s Haunted Graffiti

06 – Cira,Reginae Nana (M. Takara 3 remix) _ Lucas Santtana

07 – Smile Around The Face _ Four Tet

08 – To Cure a Weakling Child _ Aphex Twin

09 – Lightworks _ Raymond Scott

10 – Rosa _ Cluster

11 – Lurch _ Pole

12 – O Superman (For Massenet) _ Laurie Anderson

Em Linha da Vida, Ernesto apresenta conjuntos de desenhos que são agrupados a partir de conceitos, processos e problemáticas similares. No conjunto Estrelasos desenhos são feitos com tinta para carimbo colorido e nanquim sobre papel encharcado de água. O pingo de tinta, ao cair sobre o papel, cria um campo de cor que se expande formando manchas circulares no plano. Na série Ossos de Ipanema, o artista usa o grafite para criar uma sucessão de linhas rítmicas que envolvem um núcleo central, como  se uma forma abraçasse a outra. No grupo Idade da Pedra, a mesma ideia de um corpo envolto por outro aparece, mas desta vez as linhas se revelam por meio de frottage usando grafite.

Em Folha Afeganistão - conjunto feito no dia seguinte à invasão dos EUA no Afeganistão -, uma caneta prata gordurosa é usada para delimitar a expansão das manchas de nanquim. Para o artista, as formas orgânicas desta série abordam a questão da pele enquanto fronteira e do corpo enquanto território. Em Fetus Female, Neto usa linha, cera e papel criando formas antropomórficas que enfatizam espaços vazios, o dentro e o fora. Já em Poro pele Vida esse espaço vazio é  preenchido por manchas de nanquim diluído, trabalhando conceitos de expansão e contenção. A referência ao corpo humano é um denominador comum à vários trabalhos. Se ora o corpo aparece de maneira explicita, ora ele é apenas uma sugestão, uma presença subliminar. Há ainda obras que sugerem uma paisagem interna humana, imagens que remetem a fecundação ou atividades celulares.

O desenho sempre foi uma prática paralela ao desenvolvimento das esculturas de Neto, onde o papel é o anteparo, a superfície necessária, para a projeção de imagens que surgem, tanto a partir das esculturas como também de eventos vividos pelo artista. Não se trata de imagens de suas esculturas mas sim da projeção do pensamento escultórico do artista. É assim possível identificar nestes trabalhos bidimensionais a mesma linguagem e conceito de suas obras tridimensionais.

Ernesto Neto nasceu em 1964 no Rio de Janeiro onde vive e trabalha. Entre suas exposições individuais recentes, destacam-se: O Bicho SusPenso na PaisaGen, Estação Leopoldina, Rio de Janeiro, 2012; a instalação no Nasher Scultpure Center em Dallas, EUA, 2012; a grande retrospectiva La Lengua de Ernesto: 1987-2011, no Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), México, que itinerou para o Antiguo Colegio de San Idelfonso, Cidade do México, 2011-2012; O Bicho SusPenso na PaisaGen, Faena Arts Center, Buenos Aires, Argentina, 2011; The Edgesofthe World, Hayward Gallery, Londres, UK, 2010;Neto: Intimacy, Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo, Noruega, 2010; Dengo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil, 2010; Anthropodino, Park Avenue Armory, Nova York, EUA, 2009. O artista ainda participou de duas Bienais de Veneza, em 2001 e 2003 e participa atualmente da Bienal de Sharjah nos Emirados Árabes.